patchworkman's blog

PHENOMENES

patchworkman — Sun, 29 Jun 2008 10:09:00 GMT

Sortie en salles

PHÉNOMÈNES (The Happening)

de M. Night Shyamalan (2008)

Un coup de gueule pour commencer: le nouveau sport à la mode, en importation directe d'Hollywood, c'est la chasse au Shyamalan! Haro sur le baudet, tout le monde en veut un morceau! Et ça dure depuis "Le Village" (2003), un film qui, s'il était loin d'atteindre la perfection des chefs-d'oeuvre "Sixième Sens" (1999) et "Incassable" (2000), ne méritait pas tout le fiel qu'une critique ingrate a pu déverser sur lui, et avait tout de même l'avantage de faire l'effort, avec parfois quelque maladresse, de proposer un sujet original, assez bien écrit et ménageant son lot de surprises au spectateur, à mille lieues du tout venant des blockbusters merdiques se contentant d'ânonner éternellement les mêmes poncifs et traités, soit dit en passant, avec bien plus de complaisance. Avant que d'aller plus avant, je tiens à préciser que je n'ai pas encore vu "La jeune Fille de l'Eau" (2005), film maudit réputé indéfendable... Peut-être l'est-il effectivement, mais dans le contexte excessivement passionné qui est le quotidien actuel de Shyamalan, vous comprendrez aisément que je puisse n'avoir aucun avis, fût-il préfabriqué, sur le sujet, et nourrissant quelque doute quant à savoir si "La jeune Fille de l'Eau" est bien le navet prétentieux annoncé par sa mauvaise réputation, ou s'il ne s'agit que d'un épisode de plus de la fameuse "chasse au Shyamalan". Méfiance donc, et ce d'autant plus que j'ai pour ma part considérablement apprécié "Le Village", une oeuvre qui, lorsque je fais mon bilan personnel sur les cinq dernières d'années, m'a apporté beaucoup plus de plaisir que l'immense majorité des productions ricaines du genre. Ceci pour vous dire que, concernant "Phénomènes", film que toute la critique feignait d'attendre la bouche en coeur avec le prétendu espoir d'une "renaissance" shyamalanienne, tout en lui savonnant hypocritement la pente avant même que le premier tour de manivelle ait été donné, j'ai pris certaines mesures d'ordre déontologique, et j'ai fait l'impasse sur tout ce qui a pu se dire ou s'écrire dans le mois qui a précédé sa sortie, afin d'entrer absolument vierge de tout préjugé et de toute influence dans la salle de cinéma.

Et, finalement, bien m'en a pris, car je suis ressorti absolument conquis, ayant vécu une expérience fantastique à la fois intense (je ne me suis pas ennuyé une seconde) et sortant indiscutablement des sentiers battus. Comme pour "Le Village", et quitte à me répéter, on n'est peut-être pas avec "Phénomènes" dans un très grand Shyamalan, mais on n'en reste pas moins interpellé par la détermination de l'auteur à s'inscrire résolument en marge des éternels recyclages scénaristiques du mainstream, non seulement par ses sujets atypiques et le traitement qu'il en donne, mais également par un refus de tous les artifices formels à la mode par lesquels les pop-corn-movies s'achètent une crédibilité à peu de frais. Car, en dépit de tous les mauvais procès dont il fait l'objet - et dont je ne disconviens pas que certains puissent apparaître plus ou moins justifiés - il se pourrait bien que Shyamalan soit un authentique résistant du cinéma fantastique grand public, une sorte de colosse aux pieds d'argile confronté au syndrome du "Crépuscule des Idoles", face à une collusion de producteurs auxquels il sait tenir la dragée haute et de critiques qui semblent lui en vouloir de les avoir bluffés avec "Sixième Sens" et "Incassable" et qui aujourd'hui lui reprochent de ne pas transcender l'intranscendable, mais surtout de ne pas aborder le jeu médiatique avec toute la complaisance requise.

Donc, une fois le film vu, je me suis autorisé à me pencher sur les réactions de la critique afin de confronter ma modeste vision d'amateur à celle des spécialistes, et je dois vous avouer que je suis sorti assez chagriné de l'expérience. Une volée de bois vert, rien moins! Visiblement, la "chasse au Shyamalan" bat toujours son plein et n'est pas prête de s'éteindre - à tel point qu'on est en droit de se demander si, même en sortant aujourd'hui un nouveau "Sixième Sens", le réalisateur ne se verrait pas purement et simplement descendu... La moindre de mes déceptions n'est pas de lire l'exécution en règle que lui a réservé Marc Toullec, que par ailleurs je respecte énormément en tant que l'un des plus anciens collaborateurs de "Mad Movies", et avec lequel je me trouve en totale contradiction - ben ouais, ce sont des choses qui arrivent! Une fois de plus, on utilise le brûlot écrit par Michael Bomberger, qui présente Shyamalan comme un tyran mégalo ayant chopé le melon et semble avoir considérablement contribué à faire du réalisateur le tricard qu'il est devenu, pour poser les bases de la critique - sous-entendu: une telle mégalomanie ne pouvait engendrer qu'un film plein de prétention. Or, l'un des aspects du cinéma de Shyamalan que je trouve le plus intéressant, tant dans ses chefs-d'oeuvre que dans ses réalisations moins abouties, c'est précisément cette ambition démesurée - certes pas toujours suivie des effets escomptés, en quoi elle peut paraître prétentieuse - de renouveler la thématique du genre et d'essayer de raconter au spectateur des histoires qu'il n'a jamais entendues, se démarquant du tout venant des remakes redondants et foireux et des poncifs inlassablement ressassés par un cinéma hollywoodien exsangue. À cet égard, il me semble qu’à défaut d’autre chose, on pourrait au moins reconnaître le courage de Shyamalan, ainsi que sa profonde inactualité, à s‘entêter, persister et signer (comme on le lui reproche régulièrement) à produire des scripts qu‘on pourrait qualifier d‘expérimentaux. Pour ce qui est du reste, il est également mis en avant les perpétuels désaccords entre le réalisateur et ses producteurs (comme si cela était soudain devenu un argument!) en tant que justification d’une mise à l’écart précipitant une déchéance dont Shyamalan devrait être tenu pour seul responsable, ainsi qu’un certain décalage entre les propos promotionnels qu’il peut livrer aux media et le résultat final sur l’écran. Deux argumentations que j’estime, être le fruit d’esprits singulièrement amnésiques et partiaux, sinon hypocrites. D’abord, il suffit de considérer les profits que "Sixième Sens" continue à engranger en DVD et à les articuler avec la confortable promotion / distribution dont "Phénomènes" a été gratifié (on aurait certes aimé que des films tels "The Mist", "[Rec]", "L'Orphelinat", et j'en passe, eussent été chez nous aussi bien défendus face à la déferlante "Ch'tis"!) pour réaliser qu'à l'évidence Shyamalan est loin d'être aux yeux du public et des businessmen de la profession le has been pour lequel on cherche à le faire passer. Ensuite, pour ce qui est de mettre ses propos médiatiques en rapport avec ses réalisations pour conclure à un décalage, je vous renverrai tout simplement aux bonus du dernier DVD tout pourri (quel qu'il soit) que vous avez pu visionner: entre les propos grandiloquents que tiennent les protagonistes de la moindre bouse made in Hollywood pour promouvoir leurs exactions et le résultat effectif à l'écran, ce n'est plus un décalage qu'on constate, mais quelque chose de l'ordre du Grand Canyon du Colorado! Dès qu'il décide de jouer le jeu artificiel de la promotion médiatique, n'importe quel réalisateur accepte les risques d'une telle comparaison et, à cet égard, il me semble que si Shyamalan a commis une erreur, c'est bien celle de s'y prêter. Compte tenu des ambitions artistiques qu'il manifeste (et le terme n'a rien pour moi de péjoratif), il aurait sans doute mieux valu qu'il continue à réaliser ses films dans son coin sans chercher à les justifier, un peu à la manière de notre Léos Carax national qui lance en silence ses oeuvres sublimes dans la nature et ne laisse aucune prise au cirque médiatique, ignorant superbement le ressentiment que peut manifester une critique dépitée.

En fait, ce qui fait la profonde originalité de Shyamalan à l'intérieur même du genre fantastique - et ceci indépendamment du fait que ses films soient plus ou moins réussis - c'est que l'homme pratique un cinéma éminemment métaphysique au travers de ses thématiques. Je veux dire que là où la majorité des productions pratique un fantastique de la transcendance ayant recours dans presque tous les cas à des entités surnaturelles, Shyamalan nous propose quant à lui, peut-être du fait de ses racines hindoues, un fantastique de l'immanence dans lesquelles les forces intervenantes ne sont pas précipitées sur le monde "de l'extérieur", mais au contraire se diffusent dans la trame même du réel un peu comme de l'eau dans un morceau de sucre, pour ne pas dire qu'elles sont déjà en lui à l'état de latence. S'il m'est permis de quelque peu philosopher, je dirai que le fantastique est à Shyamalan ce que Dieu est à Spinoza. Là où le philosophe se démarquait de la transcendance des théologies (ou des démonologies) pour faire coïncider l'idée de divinité avec un ordre naturel (et non pas surnaturel) immanent, le réalisateur interprète le fantastique en tant que soudaine manifestation de cette force organisatrice qui maintient la cohérence du monde. Chez lui comme chez Spinoza, le concept de "nature" sert à désigner le monde en tant que diversité organisée de l'intérieur. En fait, ce qui est "fantastique" pour Shyamalan, et ne manque jamais de l'émerveiller, c'est que le monde ne soit pas en perpétuel chaos.

"Phénomènes" ne parle pas d'autre chose, et l'idée de nature y est développée au travers de ses symboles les plus éminents, les arbres et la végétation en général, qui se révoltent soudain contre une humanité devenue menaçante pour eux en émettant des toxines qui poussent les gens au suicide - ou du moins le suppose-t-on. De latent, le principe organisateur devient soudain manifeste, et remplit sa fonction en éliminant l'homme, considéré comme facteur de chaos. Mieux, le moyen de cette élimination, soit le suicide, renvoie évidemment à ce principe organisateur à l'oeuvre à l'intérieur même de l'humain, ce qui est somme toute logique puisque celui-ci n'est rien de plus qu'un produit naturel qui a eu, durant un moment, la folie de se prendre pour autre chose. Ainsi, la condition immanente de l'ordre auquel il appartient le rappelle, précisément, "à l'ordre", et réduit à néant ses rêves de transcendance divine, métaphysique qui va au-delà de la simple métaphore écologique qui veut qu'en détruisant la nature, l'homme se suicide. Remarquons en passant que c'est la même immanence organisatrice indéfinie qui est à l'oeuvre dans le superbe "Incassable": inventant avec brio un genre qu'on pourrait qualifier de "comics métaphysique", Shyamalan ne s'emmerde pas à nous décrire, comme il est d'usage, les origines de ses "super-héros" en les rationalisant à grand renfort d'arguments pseudo-scientifiques. Au contraire, ce que découvrent les deux personnages en fin de parcours, c'est qu'il sont les marionnettes d'une cosmogonie qui les dépasse, et qu'ils n'ont d'autre fonction que de remplir celle que leur a assigné l'ordre naturel des choses, leur antagonisme même s'avérant un facteur d'équilibre cosmique.

À cet égard, le mec qui a trouvé le titre français "Phénomènes" pour distribuer "The Happening" (grosso modo: "ce qui advient") a eu un éclat de génie. En philosophie classique, le terme de "phénomène" sert à désigner, précisément, la manifestation au niveau du réel tel que nous l'appréhendons d'une immanence qui en sous-tend chaque élément, traditionnellement nommée "chose-en-soi" ou "noumène", et à laquelle nous n'avons pas accès, si ce n'est pas l'exercice de la métaphysique. Le challenge de "Shyamalan" consiste donc, d'une oeuvre à l'autre, à chercher à filmer ce qui est par définition inconnaissable pour notre constitution sensible. Ainsi, le critique de "Télérama" Jacques Morice ne croit pas si bien dire lorsqu'il écrit à propos de "Phénomènes" que Shyamalan "promet beaucoup durant une demi-heure et n'offre finalement que du vent", car cette saillie, loin de déprécier le film, me semble paradoxalement définir l'essence même du cinéma de Shyamalan. En effet, le "vent" reste le symbole parfait de ce qui demeure invisible tout en demeurant efficient, soit la parabole métaphysique idéale: on n'en perçoit jamais que des "phénomènes", tels l'agitation des branches des arbres, que Shyamalan filme de façon récurrente en tant que manifestation de l'entité menaçante (puisque c'est lui qui est censé colporter les fameuses toxines), d'une manière qui n'est pas sans rappeler le David Lynch de "Twin Peaks", série culte dans laquelle chaque manifestation de forces pareillement obscures est annoncée obsessionnellement par des branchages agités par le vent.

Car le vent bénéficie d'un statut ontologique ambigu, symbole à la fois d'inefficience (ce n'est "que du vent", comme écrit Jacques Morice) et d'efficacité maximale lorsqu'il s'organise en ouragan! De plus, Shyamalan nous a bel et bien prévenus dès le départ avec la parabole sur la disparition des abeilles, le personnage de Marc Wahlberg avouant l'impuissance scientifique devant certains "phénomènes", au sujet desquels on peut émettre des théories tout à fait rationnelles sans toutefois parvenir à une quelconque certitude. Autrement dit: si on peut certes constater qu'une force immanente est à l'oeuvre, on ne pourra jamais rien en dire qui soit autre chose que pure hypothèse. L'irruption du fantastique chez Shyamalan est donc d'autant plus angoissante que la menace reste la plupart du temps non identifiée. D'ailleurs son statut hypothétique amène le spectateur à se demander s'il y a réellement menace, ou si cela n'est qu'une vue de l'esprit des protagonistes en mal d'explications rationnelles (voir notamment "Signes", à cet égard).

Si le réalisateur avait jusqu'ici consenti à dévoiler en fin de films la nature de l'immanence au moyen de twists assez renversants (technique dont on a d'ailleurs fini par lui reprocher le systématisme), ce n'est pas le cas avec "Phénomènes" dont le script se recourbe sur lui-même sans apporter plus d'explications. Visiblement, ce qui intéresse Shyamalan dans le fantastique, c'est la culture du mystère. Or, quoi de plus mystérieux qu'une immanence qu'il est impossible de mettre en évidence? Dévoiler quelque chose du mystère, c'est faire apparaître le monstre, et ce qui est ainsi identifié devient pour le coup nettement moins terrifiant. Dans "Phénomènes", le monstre est partout et nulle part, les personnages entraînés dans une fuite hasardeuse sont constamment à la merci d'un pas fait dans la mauvaise direction, et l'atmosphère du film est d'autant plus pesante qu'elle ne ménage aucun espace de respiration. La performance me semble remarquable en ce que tout se déroule en pleine lumière, ce qui ne s'avère pas rassurant pour autant, bien au contraire: la menace n'a en effet aucun besoin des traditionnelles zones d'ombres pour se dissimuler, puisqu'elle est tapie dans la trame même du réel: considération autrement plus angoissante, et qui suffit à maintenir tout au long du film une tension éprouvante. Sur cette trame de fond, Shyamalan distribue avec parcimonie, c'est-à-dire en évitant soigneusement tout procédé d'accumulation et de surenchère, un certain nombre d'effets-chocs qui interviennent toujours à propos et avec efficacité. Quant à l'épilogue, il contourne également les figures imposées du mainstream: loin de sacrifier à la traditionnelle apocalypse finale, il nous propose en guise de fin un soufflet qui retombe au moment même où il menaçait d'exploser. Certes cela n'est pas sans engendrer une certaine frustration, mais comme on l'a vu, c'est le lot de tout métaphysicien que de ne jamais obtenir confirmation de l'immanence qu'il soupçonne derrière les choses... En toute logique, Shyamalan ne pouvait pas donner d'autre conclusion à "Phénomènes"... Et, si j'ai une réserve à faire sur le film, celle-ci concerne la séquence post-épilogue qui nous montre le "phénomène" débutant un nouveau cycle à Paris, et qui à mon avis est en trop: il eût été à mon sens beaucoup plus habile d'arrêter le film après que les choses soient revenues à la normale, cessant aussi mystérieusement qu'elles avaient commencé et abandonnant les protagonistes à leurs doutes et à une réflexion salutaire... On a certes vu suffisamment de films fantastiques dans lesquels la menace supposée éradiquée ressurgissait en fin de métrage que ce procédé scénaristique en est devenu un authentique cliché, à mon avis indigne d'une oeuvre telle que "Phénomènes".

Arrivé à ce stade, et reprenant les termes de la polémique que j'ai décrite, je serais tenté de conclure à un certain malentendu. D'un côté l'on a un cinéaste métaphysicien qui, un peu à la manière d'un Mallarmé, tente de donner une consistance cinématographique à des choses désespérément absentes, ou tout au moins purement hypothétiques (à tel point d'ailleurs, qu'à tort ou à raison - je vous en laisse juge - l'errance des personnages dans de grands champs déserts m'a quelque peu évoqué celle du héros de Tarkovski dans "Stalker" ), et d'un autre côté des détracteurs qui lui reprochent d'avoir réalisé un film creux dans lequel il ne raconte rien, alors que ce "creux" et ce "rien" sont précisément le sujet central de "Phénomènes". Il semblerait donc qu'une certaine critique attende Shyamalan là où il n'est pas dans ses intentions d'aller, comme lorsqu'on lui reproche de ne pas avoir filmé la scène de la gare comme dans un film-catastrophe de Roland Emmerich! En fait, le reproche que l'on pourrait peut-être adresser au réalisateur serait de jouer dans la mauvaise cour: en effet, le cinéma mainstream tel qu'il est produit par les majors (en l'occurence Disney, puis Warner), et en général destiné à des amateurs de plaisirs plus immédiats, n'est sans doute pas le cadre idéal pour exprimer une thématique aussi cérébrale que celle de Shyamalan, et l'on peut supputer que le fantastique qu'il pratique aurait plus de succès dans un contexte plus "auteurisant". S'il m'est permis de risquer une métaphore, il se retrouve dans la peau d'un philosophe, métaphysicien de surcroît, invité à un repas de famille et qui commettrait la maladresse d'essayer d'expliquer la beauté de la pensée de Spinoza à un auditoire passionné de football! Si le philosophe a quelque chose à dire de la vérité (c'est même sa raison d'être), encore faut-il qu'il s'adresse à des gens ayant envie de l'entendre, sans quoi il s'isole et s'épuise inutilement. Et, en dernier lieu, il passe pour sentencieux, voire prétentieux... D'où sans doute l'échec critique du "Village", en tant que variation sur la fameuse Caverne de Platon. J'aime à croire, pour ma part, que Shyamalan est un auteur sincère qui, s'il pèche souvent par orgueil, ne le fait jamais que par passion: il n'est pas douteux que l'homme ait des choses importantes à dire et une vision à transmettre d'urgence... Mais il me semble que l'oeuvre qu'il cherche à construire, avec ses hauts et ses bas, ne pourra s'élaborer - de par sa nature même - que loin du cirque médiatique et dans un circuit plus indépendant. Car une telle ambition ne souffre aucun compromis et doit laisser venir à elle son public, plutôt que de chercher à être universelle à tout prix.

Ah, un dernier conseil pour finir: il serait temps que Shyamalan vire son perchman, parce qu'un tel nombre de micros dans le champ, ça peut plus durer!

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L'humanité envoyée au coin!

Le début d'un travelling d'anthologie

Les symptomes d'un rhume dont nul ne fait foin!

Prendre du champ suffira-t-il?

TRASH (Mai 2008)

patchworkman — Fri, 13 Jun 2008 18:01:00 GMT

Vu à la télé

TRASH (Mai 2008)

Il est grand temps que vous sachiez une chose: les films les plus branques que vous avez pu voir chroniqués ici même, depuis plus de deux ans que ce blog existe, ont pour la plupart été visionnés à l'occasion des séances "Trash" diffusées sur Arte, véritable anthologie du cinéma gonzo qui explore indifféremment des sous-genres aussi peu fréquentables que le classique horrifique, le nanar d'exploitation, l'érotisme déviant ou encore l'ésotérisme arty, mais qui se trouvent souvent réunifiés par une notable propension pour le kitsch le plus décomplexé. Pour bien vous signifier à quel point ces séances ont constitué une mine d'or pour ces pages, voici une liste exhaustives des OVNI ci-chroniqués: "L'Attaque de la Moussaka Géante", "Le Masque du Démon", "La Nuit des Morts-Vivants", "La Révolte des Morts-Vivants", "Le Retour des Morts-Vivants", "La Maison de l'Exorcisme", "La Fiancée de Dracula", "Le Carnaval des Âmes", "La Langue tueuse", "The Roost", "Le Jour des Morts-Vivants", et encore n'ai-je retenu que les films fantastiques afin de ne pas sortir du sujet de ce blog. Cela dit, vous comprendrez mieux pourquoi j'ai décidé d'inaugurer ce jour une nouvelle rubrique, en principe mensuelle, consacrée spécialement auxdites séances "Trash" - un peu à la manière dont j'ai traité des "Séances interdites" de l'ami Yannick Dahan programmées sur Canal +. Adonc, on attaque avec "La Maison ensorcelée", nanar gothico-psychédélique du Britannique Vernon Sewell, on enchaîne sur "Bubba Ho-Tep" qui consacre le retour sur grand écran de Don "Phantasm" Coscarelli, et on conclut par "Une Hache pour la Lune de Miel" d'un Mario Bava - eh oui, encore lui! - certes en petite forme dans un giallo très très bis, mais non dénué d'intérêt. Voila. Quand vous aurez digéré tout ça, on verra bien si vous viendrez en redemander - quoique quelque part, je l'espère bien! Que vous dire de plus? Que ça se passe le vendredi soir entre 23h et minuit sur Arte et que, pour les couche tard qui ont la TNT, les films sont régulièrement rediffusés tout au long du mois vers les trois heures du mat - c'est là qu'on voit les plus motivés! En espérant que vous serez nombreux à rejoindre cette grand'messe du kitsch...

LA MAISON ENSORCELÉE

(Curse Ot The Crimson Altar)

de Vernon Sewell (1968)

Comme chacun sait (je vous l'ai assez répété!), dans les sixties c'est la firme Hammer et son maître d'oeuvre Terence Fisher qui tiennent le haut du pavé de la production fantastique, à tel point que certains considèrent la décennie comme l'avènement d'un second Âge d'Or du genre. En conséquence, la mode est au gothisme à petit budget, et le cinéma populaire british fourmille de productions modestes - et souvent nanardesques - marchant sans vergogne sur les brisées de la célèbre firme. Si Vernon Sewell fait partie de ce mouvement parallèle, l'homme n'a toutefois pas attendu la sortie du "Frankenstein s'est échappé" de Fisher, qui a inauguré le style Hammer en 1957, pour se lancer dans le fantastique, et on lui doit notamment (entre autres polars et films de guerre) "Ghosts Of The Berkeley Square" (1947) et "The Ghost Ship" (1952) qui, aujourd'hui encore, demeurent inédits chez nous. De plus, l'homme n'est pas un inconnu des habitués de ce blog puisque j'ai déjà eu le plaisir de vous chroniquer "Le Vampire a soif", tourné l'année précédente, réjouissant nanar interprété par Peter Cushing, acteur estampillé "Hammer", et qui restera dans nos mémoires pour son inénarrable mite géante suceuse de sang (voir "Mollards" de Janvier 2007).

De même, "La Maison ensorcelée" mérite de figurer parmi les très riches heures du nanar kitschissime, et Arte ne s'est certes pas trompée en le programmant. Curieusement, cette oeuvrette que rien ne prédestinait à ce qu'on s'en souvienne finit par s'avérer, la patine du temps aidant, une pièce de choix pour tout cinéphile s'intéressant quelque peu au cinéma populaire - et là, je ne parle pas uniquement de la secte très restreinte des inconditionnels du navet. Car, nonobstant son incontestable zèderie, "La Maison ensorcelée" est une sorte de film historique, une façon de repère incontournable pour la fantasticophilie, et ce pour différentes raisons. Par exemple, si vous consultez une quelconque encyclopédie du cinéma fantastique, le film vous sautera immanquablement aux yeux par son casting, qui consacre la fusion de deux âges d'or à un moment charnière, au travers de Boris Karloff, légende de la fameuse période "Universal", et de Christopher Lee, véritable pilier de la Hammer. Cette confrontation hautement symbolique entre une époque révolue, personnifiée par un Karloff miné par la maladie et ne quittant pas son fauteuil roulant, et le sang neuf de ses héritiers britanniques incarné par un Chris Lee sémillant, prend les allures d'une transmission de flambeau qui ne manquera pas d'émouvoir les fantasticophiles en remuant un sentiment doux-amer de nostalgie. Ajoutez à cela, quoique dans un rôle très secondaire, la très culte Barbara Steele, autre superstar de l'horreur révélée par quelques chefs-d'oeuvre du gothisme italien (citons notamment "Le Masque du Démon" de Mario Bava - 1960 - ci-chroniqué, et "La Danse macabre" d'Antonio Margheriti - 1964), plus quelques autres habitués de la Hammer tels que Rupert Davies (vu la même année dans "Dracula et les Femmes" de Freddie Francis) ou encore l'omniprésent Michael Gough qui se fait une seconde jeunesse chez Tim Burton, non seulement en interprétant le rôle d'Alfred dans le dyptique Batman, mais surtout dans "Sleepy Hollow" (1999), magnifique hommage aux films de la Hammer. Autre nom prestigieux, quoiqu'employé ici quelque peu abusivement: celui de H.P. Lovecraft. En effet, "La Maison ensorcelée" se veut une adaptation de "La Maison de la Sorcière", bien qu'il ne subsiste dans le script que peu de choses de la célèbre nouvelle du Maître: seuls la dimension onirique des aventures du héros et le fameux "Livre noir" ont été préservés, pour déboucher sur une intrigue lourdement rationalisée dans un final décevant et en contresens total avec la cosmologie non euclidienne mise en place par HPL, à laquelle les scénaristes évitent soigneusement de se frotter.

Plus intéressante est l'esthétique du film qui, bien que là encore typiquement zédeuse dans son extravagance délicieusement tapageuse, est particulièrement représentative du millésime 1968, année de tous les dangers qui voit la sortie du film. Ainsi, le style gothique tel que défini par la Hammer se voit ici compliqué d'une pop-culture psychédélique en provenance directe du mythique "Swingin' London". En effet, si les forêts profondes et les antiques demeures aux décors tarabiscotés restent de mise, le psychédélisme entre en scène dès que l'on pénètre la dimension proprement fantastique, et notamment dans les séquences empruntées à Lovecraft. Le basculement du héros dans un monde onirique et cauchemardesque est ainsi annoncé par des images kaléidoscopiques dont Sewell abuse, et auxquelles il ne manque plus que la musique du Pink Floyd de Syd Barrett pour se retrouver dans l'ambiance du célèbre club "UFO". Cette atmosphère de boîte psyché se renforce encore dès que l'on entre dans la dimension de la sorcière, où une assemblée de créatures assez croquignolettes dans leur aspect torture le héros pour l'amener à signer le fameux "Livre noir", et se voit éclairée par tout un light show stroboscopique aux couleurs impossibles! Par le fait, ces séquences méritent amplement de figurer dans toute anthologie nanardesque digne de ce nom, que l'on évoque le sort peu enviable infligé à la malheureuse Barbara Steele qui, dans le rôle de la sorcière, se voit entièrement peinte en vert, le crâne surmonté de cornes de bouc du plus bel effet, ou ce bourreau au look SM en slip de cuir et casque de moto surmonté d'une paire d'andouillers de cerf, et je ne vous parle pas du reste de la congrégation!

Ajoutez à tout ça quelques timides scènes de nudité, signes avant-coureurs de la révolution sexuelle en marche, et une prédominance d'affriolantes mini-jupes dans la garde-robe de ces demoiselles, puis allumez un bédo par là-dessus: vous aurez alors fort dignement fêté le quarantième anniversaire de Mai 68!

Cliquez sur le lien pour voir la bande-annonce:

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BUBBA HO-TEP

de Don Coscarelli (2003)

À l'instar de Jim Morrison, et au contraire de Paul McCartney qui, lui, a depuis longtemps précédé dans la tombe ses copains John et George comme nous le signifient les nombreux indices cabalistiques laissés sur la pochette de "Sgt Pepper", Elvis n'est pas mort. Suite à une histoire de substitution un peu compliquée que je vous laisse le soin de découvrir, il coule des jours sinistres dans une maison de retraite dont il arpente les couloirs, précédé de son déambulateur, en compagnie de son pote JFK qui, comme chacun sait, était black! Si Mike Shrieve a l'insigne privilège d'avoir seize ans pour l'éternité, Elvis, lui, a bien vieilli, n'arque plus, se trimballe au bout de la teub une protubérance qui résiste à toute prophylaxie et, comble de la déchéance, tout le monde le prend pour son propre sosie - sauf son pote JFK, ce qui est somme toute logique! Bref, Elvis déprime à mort et n'entrevoit d'autre avenir qu'une inéluctable décrépitude quand, sortie d'un lac voisin dans lequel elle a été précipitée suite à un concours de circonstances assez homérique, une momie dévoreuse d'âmes jette son dévolu sur le mouroir où croupit notre idole déchue. Menant l'enquête sur les morts suspectes qui déciment les pensionnaires, Elvis va redonner un sens à sa vie en livrant à la créature un ultime et flamboyant combat...

Ce concept foutraque "Elvis contre la Momie", propre à mettre en route chez moi le processus d'une fantasmatique zédeuse autant que débridée, ne va pas sans m'évoquer ces sommets du nanar que sont probablement "Billy The Kid Vs Dracula" et "Jesse James Meets Frankenstein's Daughter" que le trop méconnu William Beaudine, dont je désespère de voir un film avant de mourir, tourna en 1966. En effet, à première vue, un script aussi gonzo laissait augurer un grand moment de délire et de kitsch. Or, il n'en est rien: le traitement qu'en donne Don Coscarelli, dont ce "Bubba Ho-Tep" consacre le retour au long métrage après des années d'absence (depuis un "Survival Quest" passé inaperçu en 1989, pour être précis) s'avère bien trop sage et timoré, et échoue à restituer toute la démesure que méritait un sujet dont il est pourtant l'auteur. Là où l'on était en droit de s'attendre à un digne représentant de ce cinéma décalé que nous aimons tant, et dont les séances "Trash" nous ont déjà programmé quelques dignes représentants tels que les OVNI "L'Attaque de la Moussaka géante" ("Mollards" de Mars 2006) ou "La Langue tueuse" ("Mollards d'Août 2007), "Bubba Ho-Tep" se montre bien trop pusillanime, comme si Coscarelli craignait de pécher par excès de kitsch alors que, précisément, c'était le moment idéal pour en rajouter des louches. Au finish, on reste donc avec une série B assez bien réalisée et sympathique dans ses intentions, mais bien trop classique dans sa forme pour amener celles-ci à un total développement, d'où un arrière-goût fâcheux d'inachevé et de rendez-vous manqué.

À l'actif du film, nous retiendrons la performance du toujours très cabotin Bruce "Ash" Campbell, qui s'amuse beaucoup sous la défroque d'un King rhumatisant et sait nous communiquer son enthousiasme, parvenant même à engendrer par moments une certaine compassion pour son personnage. Coscarelli lui-même n'est pas le dernier à s'éclater, s'autoparodiant avec grand plaisir comme dans cette séquence où Elvis affronte un scarabée de la taille d'un rat, dont les attaques en piqué sont un évident clin d'oeil aux mythiques "sphères tueuses" de la franchise "Phantasm", ou encore en témoignant au travers de son inénarrable momie d'une sincère affection pour les "Craignos Monsters"!

Certes, on passe avec "Bubba Ho-Tep" un moment agréable, mais on aurait souhaité un traitement un peu moins constipé de ce script qui réclamait une outrance assumée et revendiquée. Putain, pète un coup et lâche-toi, Don!

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http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=18408902&cfilm=35131.html

UNE HACHE POUR LA LUNE DE MIEL

a.k.a. LA BAIE SANGLANTE 2

(Il rosso Segno della Follia)

de Mario Bava (1969)

Certes, la filmographie de Mario Bava est suffisamment riche en petites merveilles pour qu'on puisse s'interroger sur le choix d'Arte de sélectionner l'un de ses gialli les moins aboutis... S'il connut une fugitive distribution en Belgique en 1971 sous le titre "Une Hache pour la Lune de Miel" (traduction littérale de son titre espagnol "Un Hacha para la Luna de Miel" - l'oeuvre étant une coprod italo-ibérique), "Il rosso Segno della Follia" ne fit son apparition dans l'hexagone qu'avec l'avènement de la VHS sous l'appellation "La Baie sanglante 2", titre d'autant plus stupide que le classique du bis auquel il se réfère (et que d'aucuns, dont votre serviteur, considèrent comme le premier slasher de l'histoire du cinéma) lui est postérieur de deux ans! Ceci pour dire que, si l'on ne crache pas sur le fait d'avoir l'occasion de voir une oeuvre assez rare, on comprend assez bien en revanche que les distributeurs français aient pu à l'époque faire l'impasse sur une production bâclée par bien des aspects, probablement du fait d'un budget étriqué et d'un temps de tournage de l'ordre du subliminal. Ainsi, on pourra être agacé par la réalisation proprement dite, avec notamment une profusion de zooms et zooms-back incessants et souvent hasardeux au détriment de mouvements de caméras plus sophistiqués, délivrés au rythme d'une envahissante musique de supermarché qui alterne avec des dialogues creux, parfois hors de propos et souvent strictement utilitaires, débités par des acteurs sans aucun charisme - exception faite de l'excellente Laura Betti, qui nous offre une prestation savoureusement inquiétante.

Heureusement, il y a Bava derrière la caméra, et on peut compter sur cet artisan consciencieux et esthète incurable pour sauver ce qui peut l'être et nous livrer un film suscitant un intérêt certain en dépit de ses nombreux défauts. Confronté à des choix que l'on subodore drastiques, Bava concentre son énergie sur ce qu'il sait le mieux faire: composer et éclairer un plan. Dès lors, on oublie les longueurs d'une narration qui, il faut bien le dire, a tendance à se traîner, et on se laisse éblouir par les mille inventions visuelles de celui qui fut l'un des meilleurs chefs-op de son époque. Comme dans "Suspiria" et "Inferno" de l'élève Argento - quoique dans un style ici plus "apaisé", mais ô combien plus vénéneux! - le script plus ou moins improbable n'a d'autre valeur que celle de prétexte à un délire esthétique de tous les instants et, si l'on entre dans le film autrement que comme dans un musée, on risque fort d'être déçu et de passer à côté d'une expérience contemplative des plus enrichissantes. Car "Une Hache pour la Lune de Miel" est avant tout une oeuvre "for your eyes only", et qu'il convient de ne pas aborder avec des préoccupations trop "dramatiques", ce qui est une façon de dire qu'elle est peut-être réservée aux fans inconditionnels de Bava - mais rien ne vous empêche de le devenir! Dans ce contexte, on notera avant tout le choix du lieu de tournage, une de ces villas excessivement baroques comme on n'en trouve qu'en Italie, avec des intérieurs labyrinthiques aux décors tarabiscotés et surchargés de fresques, moulures, tentures, statues, etc, symptomatiques de la manière de Bava qui sait comme personne distribuer la lumière dans leurs mille recoins, engendrant un climat de menace séculaire. Le réalisateur occupe l'espace et étouffe le spectateur sous un foisonnement de bimbeloterie aux formes tourmentées et à la fonction esthétisante parfois gratuite, mais souvent hautement symbolique, qui contribue efficacement à l'élaboration de ses atmosphères. On a par moment le sentiment, devant tant de maniérisme, que chaque plan est l'oeuvre d'un peintre fou obsédé par la réalisation d'une toile "définitive". Cette succession de plans sublimes et suffocants trouve son dynamisme dans un montage habile, particulièrement dans les scènes où la tension se fait la plus intense: ainsi, la séquence dans laquelle le héros cède à la déprime dans son ancienne chambre d'enfant, face aux multiples jouets qui s'animent pour devenir une sorte d'auditoire accusateur, est un véritable morceau de bravoure dont sauront se souvenir Argento ainsi que moult réalisateurs ayant ultérieurement approché la thématique de l'automate maléfique.

On le voit, une fois de plus Bava s'empare à bras le corps d'un petit film d'exploitation pour lui imprimer sa marque indélébile d'auteur. L'indigence de la production, qu'il s'efforce de transcender de tout son talent d'esthète, est d'autant plus regrettable qu'elle foire un script (auquel Bava a activement participé) au potentiel certain, et qui aurait mérité un meilleur traitement. Ainsi, le parti pris de nous dévoiler dès les premiers plans l'identité de l'assassin décentre de façon inhabituelle et originale la cosmogonie classique du giallo, et permet d'en évacuer les conventions les plus sclérosantes, telle la composante "whodunit" avec déplacement des soupçons d'un personnage à l'autre. S'il y a bien une enquête dans "Une Hache pour la Lune de Miel", celle-ci n'est nullement policière (sans complexes, le flic de service avoue que sa technique consiste à attendre, c'est-à-dire à ne strictement rien foutre), mais bel et bien introspective, puisque le héros, psychopathe étonnament lucide, ne traque rien moins que les raisons de sa folie. Chaque meurtre commis lève ainsi un pan de son amnésie et fait reculer le refoulement pour approcher la scène originelle, qui se révèlera en consacrant sa perte. Dès lors, l'assassinat ritualisé dans un mode opératoire invariable, qui renvoie à certains fétiches récurrents vecteurs de réminiscence (ici: hachoir à viande et robe de mariée), répond moins à la satisfaction d'une pulsion morbide irrésistible qu'à la nécessité vitale d'une thérapie. Dans un de ces paradoxes pervers devenus quasiment sa marque de fabrique, Bava fait cohabiter Éros et Thanatos ou, à un autre niveau, le psychanalyste et son patient névrosé, dans un seul et même personnage. Les termes de la contradiction schizophrène qui déchire le héros peuvent être ainsi exprimés: pour cesser de tuer, il faut que je continue à tuer!

Cette double contrainte scénaristique confirme Bava, si besoin en était, en tant que maître de l'ambiguïté perverse. Ici, il ne se contente pas d'écarteler son héros par des pulsions contradictoires, mais traite le spectateur de manière similaire en introduisant à mi-film un élément fantastique qui va singulièrement compliquer l'affaire. En effet, suite à l'assassinat de sa propre épouse, le héros va se retrouver persécuté par le fantôme de celle-ci. Situation classique, certes, face à laquelle on est censé se demander si on a affaire à un revenant effectif ou à une hallucination engendrée par la culpabilité de l'époux meurtrier. Non seulement, on s'en doute, Bava prend bien soin de maintenir cette indécidabilité, faisant pencher la balance tantôt d'un côté, tantôt de l'autre, mais il se paie en outre le luxe pervers d'introduire soudainement une troisième possibilité, lorsque le héros découvre QU'IL N'EST PAS LE SEUL à voir la revenante, son entourage continuant à réagir comme si celle-ci était toujours vivante! On se demande alors sérieusement si le meurtre de l'épouse n'a pas tout simplement été fantasmé par un cerveau encore plus malade que ce qu'on avait imaginé, hypothèse que le script s'empresse bien évidemment de relativiser, à peine est-elle posée! À ce stade-là, inutile de vous dire que l'on se retrouve assez délicieusement largué, au moins autant que le héros lui-même, et ce jusqu'à la conclusion où Bava persiste et signe avec une pirouette scénaristique assez remarquable, s'amusant visiblement beaucoup de la frustration sadique qu'il a su engendrer par ses incessantes manigances.

Tout cela concourt à nous conforter dans cette idée qu'avec "Une Hache pour la Lune de Miel", on est passé à côté, mais pas loin, d'un grand giallo, ce qui nous amène à déplorer une fois de plus que Bava ait été tout au long de sa carrière considéré par-dessus la jambe par des producteurs qui ne croyaient que du bout des lèvres au genre fantastique, pas assez en tout cas pour donner à celui qu'ils considéraient comme un simple faiseur les moyens et le temps d'exprimer tout son art. Considérant les chefs-d'oeuvre du bis qu'il a su par ailleurs réaliser avec quelques bouts de ficelle, on continue à fantasmer sur les merveilles que Bava aurait réalisées s'il avait pu disposer ne serait-ce que du dixième des moyens alloués de nos jours aux tâcherons sans âme qui polluent régulièrement le genre. Amer constat...

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http://www.youtube.com/watch?v=RWRbDqz8zhQ

Boris Karloff, dans un de ses derniers rôles

Allumez les pétards, le show psychédélique commence!

Barbara Steele peinte en vert, que du bonheur!

La torture par le rire!

Elvis dans un sale état!

Une nouvelle version de JFK!

Le trio de momies enfin au complet!

Un superbe tour de valse avec Mario Bava

Dors, mon petit manequin-quin!

Encore une qui a lâché la rampe!

ET POUR QUELQUES MOLLARDS DE PLUS... (Mai 08)

patchworkman — Sat, 07 Jun 2008 10:42:00 GMT

Fin de mois

ET POUR QUELQUES MOLLARDS DE PLUS...

(ou: "Les chroniques auxquelles vous croyiez pouvoir échapper!")

Vu à la télé

AMITYVILLE (The Amityville Horror)

d'Andrew Douglas (2004)

Alors que Dark Castle, la boîte de Joel Silver spécialisée dans la production de navets pseudo-horrifiques, semble s'être quelque peu calmée dans son entreprise de massacre systématique de classiques de l'épouvante sous forme de remakes à deux balles, voici que Michael Bay, chantre de la bouse friquée récemment passé à la production, prend le relais. Ce qui nous vaut ce nouvel "Amityville" à faire passer l'original de Stuart Rosenberg (1979), pourtant assez pitoyable, pour un chef-d'oeuvre en comparaison. Histoire de racoler du djeun, Bay embauche Andrew Douglas, ci-devant réalisateur de clips plus soucieux de produire des effets visuels aussi chiadés que creux que de chercher à faire passer une quelconque émotion. Jouant la surenchère systématique et le démonstratif complaisant mais consensuel, le film de Douglas se résume en fin de compte à un défilé de spectres envahissants et à une succession d'effets-choc annoncés au mégaphone. Ainsi, cette ambition affichée de ne pas laisser le spectateur souffler une seconde ne parvient en fait qu'à le faire soupirer une heure et demie durant. Maladresse classique, la surabondance de visions horrifiques est telle que nous nous y accoutumons assez rapidement, ce qui a pour effet de les banaliser et, partant, de les désamorcer irrémédiablement. Paradoxalement, cette culture du paroxysme à tout prix ne débouche que sur un nivellement abolissant toute notion de gradation, de contraste ou de surprise. Cela s'avère fâcheux, particulièrement dans le contexte d'un film de maison hantée, sous-genre qui exige au contraire un travail à l'économie et une sobriété proche de l'ascèse, comme le démontre brillamment "La Maison du Diable" (1963), chef-d'oeuvre inégalé de Robert Wise. Visiblement, Ni Bay ni Douglas ne connaissent grand-chose à leur sujet, puisque ce qui est évident pour n'importe quel étudiant en première année de cinéma leur passe largement au-dessus de la tête - incompétence d'ailleurs partagée par les tâcherons de Dark Castle, tels Jan de Bont ou William Malone, qui développent les mêmes tares. Faussaire de l'outrance mais véritable brasseur de vent, Douglas accumule mécaniquement les effets horrifiques les plus éculés sans jamais avoir les couilles de se montrer un tant soit peu transgressif ou dérangeant - au sens où peuvent l'être un James Wan ou un Eli Roth. Et, puisqu'on cultive la quantité pour pallier grossièrement à la carence qualitative et qu'il n'est jamais question d'autre chose que de noyer le poisson, il est assez logique que l'esbroufe visuelle soit reine, et c'est là que l'on retrouve tout l'art du clipeur, qui s'apparente le plus souvent à une forme sans fond. Ainsi, on ne coupera pas - enfin, façon de parler! - au sempiternel débitage de la pellicule en copeaux de celluloïd dès que l'action s'emballe un peu, histoire de donner l'illusion du rythme. Autre procédé assez gonflant dont abuse Douglas: l'effet stroboscopique qui consiste à filmer une scène à la lueur des éclairs de l'orage, et qui revient avec l'affligeante régularité d'une feuille d'impôts, avec toutefois quelques variantes genre clignotement des ampoules. Sans parler de l'ennui profond qu'il ne pouvait qu'engendrer, "Amityville" laisse surtout le sentiment d'une vaste entreprise de camouflage mobilisant une agitation de tous les instants et une déperdition d'énergie proportionnelle à son manque d'inspiration. D'où sans doute cette impression de comique involontaire qui accompagne immanquablement chaque nouvelle tentative de nous horrifier...

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http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=18389323&cfilm=57921.html

Presse

DC COMICS #6: "Robin"

(Eaglemoss - Mai 2008)

Bon, je n'ai rien de particulier à vous dire concernant Robin, je tenais simplement à vous signaler cette revue bimensuelle facilement trouvable dans tous les points-presse et dont le principal intérêt est de proposer, avec chaque fascicule, une figurine de plomb à l'effigie d'un super-héros DC à un prix abordable - parce que, faut bien le dire, les prix pratiqués par les magasins de BD et autres comics-shops pour ce genre de produits sont tout simplement scandaleux! Au premier chef, ce sont donc les amateurs forcenés de "para-BD" qui sont évidemment concernés car - je peux vous en parler pour m'être procuré celles relatives au Bat-verse - les figurines sont vraiment cool. Pour ce qui est du reste, soit le contenu du fascicule de vingt pages, c'est selon... La partie la plus intéressante est celle consacrée à l'historique du personnage, ma foi assez détaillée, et qui permettra au profane qui prend le train en marche d'être suffisamment informé pour ne pas trop se sentir perdu dans la continuité souvent complexe des comics. Voire même, le fan plus aguerri, mais qui n'a pas la chance d'avoir un accès facile aux VO, pourra lever le voile sur certaines interrogations concernant les épisodes inédits en France. Une critique toutefois: quelques références chronologiques et numérologiques n'eussent pas été du luxe mais bon, d'un autre côté, c'est vrai qu'on est pas dans "Scarce" ou dans "Comic Box"... La suite est assez anecdotique: quelques fiches sans grand intérêt sur les armes, véhicules et gadgets du héros, une vague galerie des personnages connexes souvent laconique, et une bibliographie dont la sélection est parfois discutable (exemple: une biblio de Robin sans "A Death In The Family", ça craint quand même un peu...). Déjà parus: Batman, Superman, Flash, le Joker, Catwoman et Robin. Actuellement en vente: Green Lantern. À venir: Wonder Woman, mais comme les figurines sont peintes à la main, vous pourrez pas vous amuser à la foutre à poil, bande de cochons!

Vu à la télé

CROCODILE 2

(Crocodile 2: Death Swamp)

de Gary Jones (2002)

Pas de "Mollards" sans grosse bébête qui mord, donc c'est reparti: braquage, avion détourné par les vilains, défourraillages dans la carlingue, dépressurisation et chute dans les marais putrides de la jungle mexicaine où sévit devinez quoi? heureusement pas Céline Fion, mais bel et bien un crocodile géant qu'il conviendra de ne pas confondre avec le "Krocodylus" du mois dernier: d'abord, celui-là nageait dans l'eau salée (parfaitement, ça existe! même que je l'ai lu dans un "Oncle Paul"!), et ensuite il était nettement plus drôle, avec ses bimbos exhibitionnistes! Las, ce "Crocodile 2" - qui fait suite à un premier opus de l'ami Tobe Hooper - est bien ennuyeux, se contentant de suivre les errements bavards et convenus des survivants coincés entre les braqueurs agressifs et le saurien en question... Lequel doit être vieux comme mes robes si l'on en juge ce que raconte le pilote d'hélicoptère, qui le tient des Indiens locaux (curieusement absents du casting), qui se le transmettent de bouche à oreille d'une génération à l'autre, ce qui me permet de relater à mon tour, afin que vous puissiez faire la joie de votre descendance, cette belle histoire que lesdits autochtones arlésiens ont recueillie auprès du seul survivant d'une escouade de conquistadors qui se virent jadis mâchouillés par le monstre, ce qui ne nous rajeunit pas! Circonstance aggravante: pas un poil de fouffe à se mettre entre les dents! Bref, les seuls qui y trouveront leur compte sont ces étranges sectateurs avides "d'attaques de requins blancs sur hélicoptères" - ça aussi, ça existe, je l'ai lu dans un post de l'"Oncle Nio" (1) - qui se régaleront ici d'une variante saurienne de ce sport inventé par notre compatriote Jeannot Szwarc dans "Les Dents de la Mer - 2ème Partie" (2). Par le fait, j'ai été rudement bien inspiré de vous raconter l'histoire des conquistadors, sans quoi, après le crash de l'hélicoptère et subséquemment de son pilote, elle aurait été définitivement perdue. Ce qui, vous en conviendrez, eût été fort dommageable pour les générations futures...

Notes:

(1): Vous me croyez pas? Cliquez là-dessus: http://dvdtator.canalblog.com/archives/2006/12/index.html (post du 25/12/06)

(2): Faut dire que "Les Dents de la Mer 2", ça le faisait moyen!

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http://www.youtube.com/watch?v=8nTVajTxtd8

DVD

LE PIÈGE (Tourist Trap)

de David Schmoeller (1979)

S'il y a quelqu'un qui mérite le titre d'héritier de Roger Corman, c'est bien Charles Band. En effet, la boîte de ce producteur-réalisateur prolixe a littéralement inondé les écrans des années 70-80 d'une tapée de petites séries B d'exploitation qui, si elles ne brillaient pas forcément par leur originalité, étaient toujours réalisées avec soin, à tel point que certaines d'entre elles ont fini par acquérir auprès des fantasticophiles le statut de "petits classiques" du bis. "Le Piège", que "Mad Movies" nous propose sous son titre original "Tourist Trap" avec son numéro de Mai, en fait partie et constitue donc une sélection idéale pour une collection de DVD intitulée "Le Meilleur des B-Movies". Ce "piège à touristes", qui n'a rien à voir avec ces gargotes qui foisonnent chez moi sur la Côte d'Usure et où l'on sert de la soupe de poissons en boîte à des gogos extasiés, se présente comme une maisonnette isolée en rase campagne proposant un menu tout aussi indigeste, puisque c'est là que sévit un psychopathe doté de pouvoirs télékinésiques et fabriquant des automates meurtriers à ses heures perdues. Ne reste plus qu'à lui donner un peu de groins à moudre, et c'est là que débarque la traditionnelle bande de jeunes crétins perdue au milieu de nulle part, avec son gynécée de bimbos en petits shorts moule-raie - parmi lesquelles Tanya "j'ai de somptueux" Roberts (1), qui connut son heure de gloire en tant que James Bond's girl dans "Dangereusement vôtre" (John Glen - 1985). Manifestement, le script ne va pas chercher midi à quatorze heures et nous ressert, comme tant d'autres, un argument de base à la "Massacre à la Tronçonneuse", allant même jusqu'à employer le talentueux décorateur Robert A. Burns qui concocta l'hallucinant ossuaire de la maison de Leatherface. L'homme dresse ici un capharnaüm d'inquiétants automates constituant incontestablement l'atout majeur du film, d'autant que le réal David Schmoeller a pris l'heureuse option de travailler ses climats plutôt que de miser sur le sempiternel déballage de gore, et de faire souligner ceux-ci par une partition des plus convaincantes signée de l'excellent Pino Donnagio - qui fut à Brian DePalma ce que Bernard Herrmann était à Hitchcock. L'ensemble fait son petit effet, et témoigne d'une qualité de réalisation constante et tout à fait remarquable dans un B-movie. Le fait que l'on retrouve aux côtés de Schmoeller, en tant qu'assistant réal, le très compétent Ron Underwood (auteur en 1989 du rétro et très sympa "Tremors"), n'est sans doute pas étranger à l'affaire. Citons enfin le futur réalisateur Ted Nicolaou, bien connu des amateurs de bis, qui assure ici un montage efficace et, dans le rôle du boogeyman, l'excellent Chuck Connors, acteur à forte mâchoire ex-champion de base-ball qui fit une notable carrière dans le bis et fut dans sa jeunesse la vedette de "L'Homme à la Carabine", une série TV dont seuls les vieux croûtons comme moi se souviennent encore. Bref, un film tout à fait recommandable malgré la modestie de l'entreprise, et qui vous fera passer un vrai bon moment de fantastique. Ma femme n'a même pas râlé pendant le visionnage, c'est dire!

Note:

(1): Pour ceux qui chercheraient à la replacer: ça marche aussi avec Julia!

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http://www.cinemotions.com/modules/Films/fiche/38051/Tourist-Trap.html

Vu à la télé

LA NEUVIÈME PORTE (The Ninth Gate)

de Roman Polanski (1999)

Être un cinéaste majeur n'est pas toujours une sinécure: dès qu'on fait dans le cinéma de genre, la critique ne vous loupe pas. "La neuvième Porte" est pourtant nettement au-dessus de la plupart des productions fantastiques de son époque, et de loin. Alors qu'est-ce que l'on reproche à Polanski, au juste, pour lui infliger des critiques au mieux tiédasses et condescendantes, et au pire franchement négatives? On se demande parfois où est la cohérence, comme lorsque l'on voit "Télérama" casser dans un même numéro "La neuvième Porte" (qualifié de "kitsch" et "ridicule") et l'excellent "Ouvre les Yeux" d'Amenábar ("rebondissements grotesques"), pour encenser quelques pages plus loin le pitoyable "Scream 3" de Wes Craven (1). D'autant que Polanski, qui a déclaré un jour "plus vous voulez être fantastique, plus il vous faut être réaliste", ne déroge pas à cette règle, déjà en vigueur dans ses chefs-d'oeuvre "Rosemary's Baby" (1968) et "Le Locataire" (1976). En effet, loin de se ruer dans des effets faciles et tonitruants, Polanski tient en permanence les éléments fantastiques non pas à distance, mais à la lisière du réel, entretenant toujours cette indécidabilité qui maintenait le spectateur dans l'incapacité de trancher entre l'hypothèse d'une paranoïa de ses héros et celle d'une irruption effective de forces surnaturelles. Ici, il ne procède pas autrement, et si son héros, improvisé détective de l'occulte et menant une enquête des plus rationnelles dans son déroulement, met au jour des indices de plus en plus troublants, l'indécidabilité persiste et rien d'effectif ne permet jamais de conclure, concernant la fameuse "Neuvième Porte" censée déboucher sur l'Enfer, à autre chose qu'à une chimère entretenue par une confrérie de dangereux fanatiques exaltés. Y compris d'ailleurs le dernier plan, dont la fugacité tient presque du fantasme et ne fait finalement que prolonger notre perplexité au-delà du générique de fin - comme pour nous dire que le silence qui suit, c'est encore du Polanski! Certes, le cinéaste se permet quelques facéties, comme ce sabbat de satanistes encapuchonnés, effectivement très kitsch pour le coup, mais c'est pour immédiatement tourner cette scène en ridicule avec l'irruption tragi-comique du personnage de Frank Langella: à la limite, cette séquence aurait pu s'inscrire sans hiatus dans une oeuvre telle que "Le Jour de la Bête" du frappadingue Alex de la Iglesia (2). Big up pour finir au grand Johnny Depp, qui nous donne ici une interprétation à la mesure de sa légende, en campant à la perfection un anti-héros cynique, veule et pour tout dire délicieusement puant, sorte de cousin dégénéré du Jack Gittes de "Chinatown". En ce qui me concerne, c'est la troisième fois que je vois "La neuvième Porte", et à chaque visionnage je suis un peu plus envoûté par l'art de Polanski... C'est grave, Docteur?

Notes:

(1): Voir "Mollards" d'Octobre 2006

(2): Voir "Mollards" d'Août 2007

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http://www.cinemovies.fr/players/player.php?IDfilm=2547&IDBA=11586

Livres

BLAZE (1973)

de Stephen King / Richard Bachman

(Albin Michel - Avril 2008)

Attention: ce "Blaze" n'est nullement "le dernier King", mais tout simplement une oeuvre de jeunesse miraculeusement sauvée de l'oubli par une collaboratrice zélée qui eût la bonne idée d'en faire un double avant que le Maître n'en égare le manuscrit original. Comme dit dans la préface, King caressa à diverses reprises l'idée de publier ce roman, mais finit par y renoncer avant de l'oublier et de le perdre purement et simplement. Chronologiquement, l'écriture de "Blaze" (1973) précède immédiatement celle de "Carrie" (1974), premier opus publié de King que l'on peut considérer comme fondateur du mythe (en partie grâce au classique qu'en tira Brian DePalma en 1976), ce qui fait officiellement de cette oeuvre le "sixième roman de Richard Bachman" - d'où la double signature sous laquelle elle nous est aujourd'hui présentée. L'ayant déjà fait dans ma chronique de l'excellent "Histoire de Lisey", à laquelle je vous renvoie, je ne vais pas réitérer ici un examen des rapports ambigus qui lient le King à son alter ego pseudonymique, mais me contenter de souligner en quoi ce roman me semble emblématique de la période Bachman. Tout d'abord, à l'instar de "Chantier" et du désormais introuvable "Rage" (1), "Blaze" est l'oeuvre d'un auteur en herbe qui manifeste à l'époque un intérêt certain pour le roman noir à caractère social. On pourrait même le qualifier de "polar redneck" s'inscrivant quelque part entre le grand Jim Thompson (dont King reconnaît l'influence dans sa préface) et les films des frères Coen - en particulier "Arizona Junior" (1986) qui raconte une histoire assez similaire. Délaissant les grandes métropoles du polar "hard boiled" classique pour s'enfoncer dans la cambrousse de l'Amérique profonde qui lui est chère et qu'il sait décrire comme personne, King / Bachman nous conte les aventures tragi-comiques de Blaze, un colosse aux pieds d'argile et à la cervelle défaillante qui se lance en solo dans le kidnapping d'un bébé. Handicapé mental totalement dénué de malice, Blaze laisse derrière lui suffisamment d'indices pour se retrouver rapidement avec la totalité des flics de la Nouvelle-Angleterre aux basques, situation compliquée par le fait qu'au contact du nourrisson, une émouvante fibre maternelle s'est éveillée en lui. On est donc confronté à une histoire assez banale, dont on sait dès l'abord qu'elle se terminera en catastrophe... Mais fort heureusement, il y a le "personnage" de George, ancien partenaire en délinquance de Blaze et "cerveau" du tandem, qui a eu la mauvaise idée de se faire tuer lors d'une partie de poker, laissant notre héros seul dans la réalisation d'un plan foireux de kidnapping. Or, et c'est là l'idée extraordinaire de ce roman, au moment où George meurt, Blaze l'intériorise en tant que seconde personnalité schizophrénique, au travers de laquelle une certaine intelligence se réveille à l'arrière de son crâne. Cette présence fantomatique de George, sorte de grand frère bienveillant avec lequel Blaze se livre à des conversations à la fois émouvantes et hilarantes, acquiert peu à peu une dimension fantastique sous la plume déjà habile de King et, au-delà de l'intrigue assez convenue, c'est dans cette illustration assez personnelle du thème du double que réside l'intérêt principal du roman, et particulièrement lorsqu'on la rapporte à la double signature sur la couverture qui engendre a posteriori une mise en abyme des plus inquiétantes... Sans être une oeuvre majeure, "Blaze" a toutefois le mérite de nous montrer en action un jeune auteur à l'imagination déjà débordante et au potentiel incontestable. La suite fait partie de l'Histoire...

Note:

(1): En effet, suite au drame du lycée de Columbine, King décida de retirer "Rage" de la vente et d'en interdire toute nouvelle édition de peur que le roman, qui raconte une histoire étrangement similaire à ce tragique fait divers, n'incite d'autres adolescents à se lancer dans le massacre organisé.

Sortie en salles

IRON MAN

de Jon Favreau (2008)

"Iron Man" est une sorte de première, en ce que Marvel s'est ici partiellement affranchie des contraintes d'un partenariat avec Paramount en créant ses propres studios, et donc en s'assurant un meilleur contrôle sur les adaptations live de ses comics les plus emblématiques. Bien sûr, il est encore trop tôt pour affirmer qu'un virage a été pris et pour en évaluer les effets, mais il n'en demeure pas moins que, sans casser des briques, "Iron Man" est un film très sympathique et qui nous en donne pour notre argent d'un strict point de vue "entertainment". Certes, il s'agit d'un acte d'exposition et, en tant que tel, le script est assez peu original, balayant les figures imposées (1) avec une application digne de la fonction publique: se succèdent ainsi les origines, l'apprentissage du métier de super-héros, la prise de conscience des responsabilités impliquées par ledit statut, le doute, le passage à vide, et enfin le sempiternel et apocalyptique combat final. Pour tout dire, et toute proportion gardée, "Iron Man" s'apparente quelque peu au "Batman Begins" de Christopher Nolan en ce qu'il nous raconte surtout, quoique sur un ton beaucoup plus fun, le parcours initiatique d'un personnage qui se construit progressivement. Ainsi, le film a tendance à s'appesantir sur l'environnement high-tech du héros, et à négliger des scènes d'action réduites à la portion congrue où Iron Man, faute d'un adversaire consistant, malmène à grand renfort de pyrotechnique virtuelle quelques moujaïdins dépenaillés - quoique le nom de la secte malfaisante, "Les dix Anneaux", laisse présager d'une empoignade avec le Mandarin dans "Iron Man 2", dont la sortie est prévue pour 2010. En dépit de ce script convenu et peu passionnant, le film est fort heureusement transfiguré par la prestation remarquable que Robert Downey Jr nous donne de Tony Stark, conférant à la pellicule le rythme que la réalisation assez impersonnelle de Jon Favreau peine à lui imprimer, et portant littéralement l'oeuvre sur ses épaules avec un dynamisme proprement hallucinant. Autre atout majeur du film: les SFX sont d'une perfection absolue, et parviennent à donner un impact peu commun aux scènes d'action. Deux avantages qui suffisent à nous faire oublier les nombreux défauts d'"Iron Man" et à en faire une réussite. Un mot pour terminer: il est impératif que vous restiez dans la salle après le générique de fin: vous bénéficierez ainsi d'une agréable surprise, et serez par le fait informés des projets d'adaptations de Marvel Films, extrêmement excitants, il faut bien le dire...

Note:

(1): Le seul "opus 1" à s'être affranchi de cette structure contraignante, et ce avec une habileté assez remarquable, est le "X-Men" de Bryan Singer.

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http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=18809690&cfilm=53751.html

"Amityville": un film à enterrer profond!

Le croco, il veut un bisoouuuu!

Tanya Roberts: une touriste qu'on a plaisir à piéger!

"La neuvième Porte": ce sabbat m'atterre!

Les débuts d'Iron Man, dans la fameuse armure "poële à charbon"!

COMIC BOX EXTRA #3

patchworkman — Sun, 01 Jun 2008 18:25:00 GMT

Presse

COMIC BOX EXTRA #3:

"Iron Man et les Héros high tech"

(Printemps 2008)

Tout ce que vous vouliez savoir sur Tête-de-Fer se trouve dans ce troisième hors-série de Comic Box, qui coïncide fort opportunément avec la sortie du blockbuster super-héroïque éponyme. La première section du mag lui est d'ailleurs entièrement consacrée avec le traditionnel historique du comics, toujours aussi parfaitement documenté, agrémenté d'entretiens avec Adi Granov, dessinateur de la mini-série "Extremis" (sortie l'an dernier chez Panini dans la collection "Marvel Graphic Novels"), mais aussi avec Bob Layton qui, en compagnie du scénariste David Michelinie, fut le co-auteur du run de plus mythique du comics relatant entre autres la déchéance alcoolique du héros (dont vous pourrez lire les meilleurs épisodes dans le "Best Of Marvel", fort pertinemment intitulé "Le Diable en Bouteille", qui vient tout juste de paraître), et enfin avec Jon Favreau, réalisateur de l'adaptation ciné, que l'on vit également interpréter Foggy Nelson dans le pitoyable "Daredevil" du non moins pitoyable Mark Steven Johnson. Une interrogation toutefois: à la place d'une étude sur la technologie batmanienne, fort intéressante au demeurant, n'eût-il pas été plus pertinent de faire un papier sur les aventures d'Iron Man au sein des Vengeurs, d'autant qu'il y a actuellement un projet sérieux d'adaptation ciné sur le bureau d'Avi Narad?

La seconde section, "Rage contre la Machine", fait le point sur le thème du robot dans le comics, avec un historique sur la question, une étude sur le thème plus spécifique de la guerre des machines contre l'humain, et enfin, dans la série rose, une évocation du "cyber-sexe" où l'on est confronté à l'épineux problème de la sexualité des robots, voire aux relations amoureuses mixtes qu'ils peuvent entretenir avec leurs créateurs de chair et de sang (quelle horreur, Mme Michu!), tant il est vrai que certaines demoiselles de métal ne manquent pas d'un certain sexe-à-piles! Curieusement, toujours dans cette section, une partie non négligeable est consacrée à Hulk avec un historique du comics suivi d'un entretien avec Kenneth Johnson, l'homme qui créa les séries les plus nases des seventies avec "L'Homme qui valait Trois Milliards", "Super Jaimie", et bien entendu l'indéfendable "L'incroyable Hulk" - actuellement rediffusée je ne sais plus où sur la TNT et dont le coffret DVD de la saison 1 vient de sortir - avant de nous proposer quelque chose de plus sérieux avec "V", son oeuvre télévisuelle de loin la plus aboutie.

Enfin, la troisième section "Techno Mystique" nous propose un papier sur les robots géants façon Goldorak, soulevant au passage la controverse de la mangaïsation du comics. Au rayon interviews, on a droit à John Jackson Miller, ci-devant journaliste spécialisé dans le comics et qui sait de quoi il parle puisqu'il a scénarisé "The Crimson Dynamo" ainsi que notre bon vieux Tête-de-Fer (voir le "Monster" sorti chez Panini), suivi d'une entrevue avec l'impressionnant Ariel Olivetti, dessinateur d'armoires à glace dans lequel certains voient un "nouveau Liberatore".

Signalons également les rubriques "Techno Comics" qui analysent l'approche du thème robotique par certains auteurs phares tels que Frank Miller, Alan Moore, Grant Morrison, et surtout le King Jack Kirby, qui dessina les machines et les armures les plus délirantes de toute l'histoire du comics - à ce propos, il est assez regrettable que l'équipe de "Comic Box" ne se soit pas fendue ici d'un papier sur son excellent "Machine Man", l'un des robots les plus atypiques de l'univers Marvel, que n'auront pas oublié les lecteurs du regretté "Titans".

Autre incongruité éditoriale: là où on attendait, dans la case de la traditionnelle BD, une aventure d'Iron Man, on a droit à "Mythos" de Paul Jenkins et Paolo Rivera, un épisode des X-Men originels qui arrive là comme un cheveu sur la soupe, dans laquelle on ne va certes pas cracher, mais tout de même: les X-Men ont déjà fait l'objet d'un précédent HS (voir "Mollards" de Septembre 2007) et on ne voit pas trop l'intérêt d'en rajouter une couche, du moins dans ce contexte "high tech".

Bref: un numéro intéressant d'un bout à l'autre - là n'est pas la question - mais qu'on aurait peut-être aimé plus recentré autour de sa thématique. Ceci dit, ce hors-série demeure hautement recommandable et, une fois de plus, l'équipe de "Comic Box" a fait un travail remarquable.

Iron Man dans tous ses états...

...y compris les pires, dans le run Michelinie/Layton!

...et tel que les lecteurs français le découvrirent en 1970, dans Strange n°1.

Hulk (Lou Ferrigno), très vénère après Kenneth Johnson en découvrant sa série TV!

Les mécaniques délirantes du King Jack Kirby

Ariel Olivetti: des héros qui imposent le respect!

Les X-Men, sous les pinceaux de Paolo Rivera.